Heute ist der Geburtstag von Else Lasker-Schüler. Auch mehr als 80 Jahre nach ihrem Tod in Jerusalem wirkt die „größte Lyrikerin, die Deutschland je hatte“ (O-Ton Gottfried Benn) musikalisch in allen Sparten nach. Ein besonders schönes Beispiel kommt von der Sängerin und Komponistin Christa Abels. Sie ist in Südbaden geboren und hat sich nun in Dresden in der klassischen Musik, der Filmmusik und im Songwriting etabliert. Wiederholt hat sie sich mit der Dichterin aus Elberfeld beschäftigt und widmet ihr auf dem neuen Album Mit den Zugvögeln fort den Löwenanteil der Gedichtvertonungen.
„Auf deiner blauen Seele“ ist ihre Adaption von Elses „An den Prinzen Tristan“, Lasker-Schülers Dichterfreund Hans Ehrenbaum-Degele ist damit gemeint. Blau, das war für Else Lasker-Schüler die Farbe der Dichter: Blau ist ihr der Himmel, und zwar der metaphysische. An Karl Kraus schreibt sie: „Ich denke an den Nazarener, er sprach erfüllt vom Himmel und prangte schwelgend blau, daß sein Kommen schon ein Wunder war, er wandelte immerblau über die Plätze der Lande. Und Buddha, der indische Königssohn, trug die Blume Himmel in sich in blauerlei Mannichfaltigkeit Erfüllungen.“ Blau war ihr auch jede Seele und jedes Herz, dem die freundschaftliche, seelenverwandte Liebe heilig war – das blaue Herz, das es heute bis in die Palette der Emojis hineingeschafft hat.
In Kürze mehr zu Else Lasker-Schüler und ihren Komponist*innen und Liedermacher*innen!
In Ghana wehen die musikalischen Flaggen auf Halbmast: Mit Ebo Taylor ist am 7. Februar einer der Grandseigneurs der Highlife-Geschichte des Landes im Alter von 90 Jahren verstorben. Der Gitarrist, Bandleader und Komponist kam 1936 in Cape Coast zur Welt und prägte von Beginn seiner Karriere an die ghanaische Popmusik. Als Ghana 1957 seine Unabhängigkeit erklärt, formt er in der Ashanti-Kapitale Kumasi erste eigene Bands, die Stargazers und die Broadway Dance Band und saugt Einflüsse von Miles Davis bis Sonny Rollins auf. Für seinen charakterstarken, kantigen und synkopischen Gitarrenstil findet er in Wes Montgomery ein Vorbild.
Gefördert von Staatschef Kwame Nkrumah geht er 1962 nach London und heckt dort mit dem Nigerianer Fela Kuti Pläne für die Weiterentwicklung des Highlife aus: „Wir Ghanaer haben damals viel mit den Nigerianern gejamt, ein reger Austausch, als Konkurrenz habe ich das nie empfunden“, sagte er mir 2010. „Irgendwann realisierte ich, dass unsere Musik nach der Kolonialisierung sehr nach Dur klang, ganz im Gegensatz zu der unserer Vorfahren. Ich fühlte, dass der Funk ein Weg war, da rauszukommen.“
Das realisiert er mit einer ganzen Latte von Bands, unter ihnen die Blue Monks, die legendäre Uhuru Band, die Apagya Show Band oder auch das Underground-Projekt Asaase Ase, mit dem er die Musik der Fante-Küstendörfer und der Kriegerkaste Asafo mit funky Feeling versieht. Er schreibt Hits wie „Heaven“ und „Atwer Abroba“, veröffentlicht in den Siebzigern Solo-Alben, komponiert und produziert für die führenden Plattenfirmen Ghanas wie Essiebons, betreut deren Highlife-Stars Pat Thomas und C.K.Mann.
Ebo Taylor stand lange im Schatten von Fela Kuti und Tony Allen, wobei er stets betonte, dass deren Afrobeat doch eigentlich nur eine weitere Variante des ghanaischen Highlifes war. Erst in den Nullerjahren wird die aktuelle Generation von afrobegeisterten Musikern auf ihn aufmerksam und regt generationenübergreifende Projekte an. „Love And Death“ ist der erste Output während Taylors zweitem Frühling, angestoßen von Ade Bantu und seiner Afrobeat Academy. Dem kulturellen Niedergang in seiner Heimat schafft der Musiker noch im Alter Abhilfe: Er wird Gitarrenlehrer im Music Department der University of Legon in der Hauptstadt Accra, wo er mich im September 2010 im leuchtend blauen Gewand und in beeindruckend gelassener Würde zum Gespräch empfing.
Weitere Alben wie „Appia Kwa Bridge“ und „Yen Ara“ festigen Ebo Taylors Vermächtnis der späten Jahre, und erst kürzlich hat er noch für das Label Jazz Is Dead mit Adrian Younge gearbeitet. Er prägte die R&B-orientierte junge Hiplife-Generation seines Landes, beeinflusste aber auch den US-HipHop von Usher, den Black Eyed Peas oder Kelly Rowland, die ihn alle sampelten. Kein Wunder also, dass Taylor in Ghana dieser Tage von höchster Stelle geehrt wird: „Er wird als einer unserer größten Musiker aller Zeiten in Erinnerung bleiben, als ein Mann, der sich dafür einsetzte, ghanaische Musik auf die Weltkarte zu bringen, zu einer Zeit, als andere Musikgenres im Vordergrund standen“, sagte der Sprecher des Präsidenten gegenüber der BBC.
Irreführender könnte der Albumtitel kaum sein: Der Genfer Gitarrist Louis Matute hat mit Dolce Vita ein sehr ironisches Motto gewählt, um auf seinem neuen Werk bittere Familienhistorie zu verarbeiten. Er erzählt die Geschichte der Militärdiktaturen von Honduras, die erzwungene und dramatische Flucht seines Großvaters, während einer kurzen Demokratie-Phase Wirtschaftsminister und Reformer, dann an Leib und Leben bedroht. So täuscht auch der friedliche Eingangsgroove von „Santa Marta“, bis Matute mit einem ruppigen Solo den Schmerz über ein Massaker in Töne gießt. Der Wunsch nach Flucht wird zu sparsamen Piano-Tropfen im Folgestück vom Tenorsax (Léon Phal) ebenso hitzig verkörpert.
In „Les Veines Noires De Son Cou“ weitet die Band das Klangbild sphärisch mit strahlender Orgel und Staccato-Gitarren, bevor sich mit „Tegucigalpa 72“ der Zorn über die Rückkehr der Diktatur mit verzerrt blubbernder Trompete (Zacharie Ksyk) in einem Mambo-Gewitter kanalisiert. Ruhepole in diesem musikalischen Polit-Drama gibt es mit einem Zwitter aus afrokubanischem Groove und brüchigem Spoken Word („I’ll See You Soon“), sowie in sanften Gesangs-Interludien, die mit Dora Morelenbaum und Joyce Moreno, glühende Matute-Bewunderin, nach Brasilien entführen. Meisterhaft räumlich haben Matute und Genossen diese Stücke arrangiert und schaffen einen turbulenten Ort, an dem sich Latin-Bigband, die Essenz des Santana-Sounds und tropische Coolness jenseits von Vintage-Chique zu etwas Zeitlosem amalgamieren.
Mandé Sila nennt sich das neue Akustikprojekt rund um den malischen Songwriter-Star Habib Koité. Er wird dabei begleitet vom „magischen Balafon“ Aly Keïta (Elfenbeinküste) und von Lamine Cissokho (Senegal) an der Kora. Diese drei Fahnenträger der westafrikanischen Musiktraditionen kommen zusammen, um Mandé Sila zu feiern und die Geschichte des Mandingo-Reiches zu erzählen, das die Sprachen, Kulturen, Musik und die ganze Vielfalt und den musikalischen Reichtum Westafrikas symbolisiert.
Habib Koité, einer der beliebtesten und bekanntesten Musiker Westafrikas, ist ein moderner Troubadour, der durch seine Musikalität, sein Charisma und seine große Großzügigkeit auf der Bühne begeistert. Seine 30-jährige Karriere mit mehr als 2000 Konzerten weltweit zeugt davon. Koité war einer der ersten, der die Musik vieler Ethnien Malis aufgegriffen und zu einem neuen pan-malischen Stil verknüpft hat.
Der Kora-Spieler Lamine Cissokho stammt aus einer berühmten Familie von Griots und definiert seine Musik dank seiner zahlreichen Begegnungen als einen Schmelztiegel afrikanischer, orientalischer und jazziger Einflüsse. Er spielt regelmäßig mit dem Blueser Eric Bibb.
Aly Keïta, Gewinner des deutschen Creole-Preises, ist weltweit bekannt für seine Meisterschaft auf dem Balafon, seine beeindruckende Virtuosität und seinen einzigartigen Klang, sowohl in der traditionellen Musik als auch im Jazz. Dort hast er beispielsweise mit Joe Zawinul, Trilok Gurtu und Paolo Fresu gearbeitet.
Begleitet wird das Trio von Habib Koités langjährigem Perkussionisten Mama Koné aus Mali. Drei virtuose Künstler, verbunden durch dasselbe kulturelle Erbe; ein Schmelztiegel, der ihre Kompositionen inspiriert und die Erneuerung des Genres sublimiert.
Cristina Branco feierte im Jazzhaus ihre freie Lesart des Fado. Ein überragender, fesselnder Auftritt.
„Es wichtig ist darüber zu singen, wie wir alle miteinander verbunden sind, jetzt, wo die Welt so verkehrt ist.“ Sagt Cristina Branco – und stimmt zu einem zärtlich hüpfenden Klaviermotiv „Não Há Ponte Sem Nós“ an. Es gibt keine Brücke ohne uns, so übersetzt sich dieser genauso intime wie lebhafte Dreiertakter, und Brücken, die hat sie seit 30 Jahren gebaut, zwischen Fado, Jazz und Songwriting.
Ein denkwürdiger Abend wird es im Jazzhaus Freiburg. Branco gestaltet ihn mit ihrem seit einer Dekade bestehenden Quartett, eine verschworene Gemeinschaft, die traditionelle Fado-Strukturen anhand von Jazzelementen raffiniert neu belebt und organisch miteinander atmet. Mit diesen Musikern hat sie die letzten vier Alben entworfen, bis zum aktuellen Mãe“, „Mutter“, die für sie ein auch ein Symbol ist für die Schutz bietende Musik. Viele Stücke kommen aus diesem Werk: etwa das an Naturbildern reiche „Rio Nuvens“ von der azorischen Menschen- und Frauenrechtlerin Natália Correia, in den der sagenhafte Luis Figueiredo, ein Meister des improvisatorischen Geistesblitzes am Klavier, plötzlich einen bluesigen Lauf einflicht. Oder „Senhora Do Mar Redondo“, ein Gebet für die sichere Rückkehr der Seeleute in Form eines schwermütigen Fado Cravo. Hier kostet Branco ihre vokalen Qualitäten machtvoll aus, vom feingliedrigen Zittern der Stimme bis zur resoluten Dramatik in gehämmerten Akkorden.
Es geht auch um die Befreiung der Frau in diesem Konzert, die im konservativ-katholischen Portugal noch nicht so lange Thema ist. „Liberdade“ von der jungen Fadista Teresinha Landeiro erzählt von dieser neuen Selbstbestimmung. Oder ein moderner Fado, der eine Frau porträtiert, die allein und glücklich mit dem Meer verschmilzt, Figueiredo liefert dazu ruhige Figuren wie in einem Bach-Präludium, Bernardo Moreira am Bass eine jazzige Coda. Dieser Abend hat nicht nur Schwere: Schwungvoll nimmt Branco das Publikum zu einem Tango mit, Benardo Couto, der das Gegenteil von einem permanent protzenden Virtuosen ist, hat hier einen seiner Glanzmomente. Witzig wird es in „Inferno Do Céu“: Eine junge Nonne, die das „unreine Kreuz im BH“ trägt, berichtet von den Versuchungen in der „Hölle des Himmels“: eine Walzer-Groteske. Und in der Zugabe bekommt das begeisterte Publikum die faustdicke Überraschung: Ausschließlich mit Klopfen, Hämmern und Schrubben gestalten die vier Akteure die geheimnisvolle Anrufung an den Mond des venezolanischen Volkssängers Simón Díaz.
Seit der Jahrtausendwende hat Cristina Branco, die Sängerin aus dem portugiesischen Ribatejo, die Öffnung des Fado vorangetrieben. Selten hat sie sich mit der reinen Fado-Lehre zufriedengegeben, hat ihn mit Tango und brasilianischen Tönen vermählt, auch mal einen Joni Mitchell-Song eingeflochten. In jüngerer Zeit waren der desolate Zustand Portugals nach der Euro-Krise oder die weibliche Selbstermächtigung mit einer Widmung an Frauen aller Generationen ihre Themen. Dafür hat sie sich Schreiberinnen und Schreiber der jungen Generation ins Boot geholt, die ihre Ideen musikalisch und textlich umsetzten, oftmals auch Querdenkende aus den ehemaligen afrikanischen Kolonien Portugals. Sie zeichnete so eine neue Zukunft Portugals.
Eine kleine stilistische Kehrtwende gibt es auf dem aktuellen Album Mãe (Mutter): „Die Wahrheit ist, dass ich noch nie so tief in den traditionellen Fado eingetaucht bin wie hier“, gibt sie zu. Die Vertonungen der Lyrik, die vom Dichter Fernando Pessoa bis hin zu jungen Kolleginnen reicht, klingen mit ihren vertrauten Quartettmusikern tatsächlich etwas weniger gewagt, aber immer noch mehr nach freier Liedgestaltung als strengem Fado-Korsett. Eigentlicher Star ist weiterhin ihre Stimme, die sich reif, souverän, nuancenreich und berührend ausspielen kann.
Die Schweizer Pianistin und Songwriterin Yumi Ito gastiert mit Band in der Reihe „Pinsa und Jazz“ in der TheaterBar Freiburg. Parallel hat sie ein Solo-Album veröffentlicht.
Riesenvorteil für alle Songschreibende: Sie können auf die berühmte Insel selbst entworfene Musik mitnehmen. „Die Vorstellung, auf einer unbewohnten Insel zu leben, hat mich schon immer fasziniert“, sagt Yumi Ito. „Aus dieser Fantasie heraus habe ich mich gefragt, welche zehn meiner Songs ich denn mitnehmen würde – nur mit meiner Stimme und einem Konzertflügel.“
Die enge Beziehung von Yumi Ito zum Klavier ist biographisch angelegt. Ihr Vater ist der japanische Konzertpianist Suguru Ito, sie wuchs mit Ravel, Debussy und Chopin auf, weitete als Teenagerin ihr stilistisches Spektrum, machte dann am Jazzcampus Basel ihren Abschluss. „Wenn ich mit meiner Stimme improvisiere, stelle ich mir Klaviertasten vor. Das intuitive Lernen des Klavierspiels durch das Gehör hat mich dazu gebracht, mit meiner Stimme diverse Farben und Skalen auszuprobieren. Täglich nutze ich dabei den Flügel: sowohl um mein Stimmen-Workout zu machen, als auch um zu komponieren, neue Songs zu schreiben, zu improvisieren und mich selbst zu begleiten.“
Auf ihrem Solo-Album Lonely Island ist diese Liebesaffäre mit dem Flügel in jedem Takt greifbar. Ihr Instrument und ihre Stimme, die über die Jahre enorm an Dynamik und Variationsbreite gewonnen hat, werfen sich spielerische Dialogmotive zu. Oder Ito verschmilzt gleich förmlich mit den Tasten, wenn sich die Läufe parallel in ihren Gesangslinien abbilden. Im groovigen „What Seems To Be“ bauen sich Stimmenschichtungen im hüpfenden, textlosen Chorus auf. Das melancholisch vorwärtstreibende „Is It You“ lässt Chopin‘sche Dramatik aufscheinen. Und das starke „Seagull“ öffnet mit seinem Wechsel zwischen gehämmerten Akkorden und glitzerndem Impressionismus Räume in einen sehr individuellen Art Pop. Aufgenommen wurde das Werk im Hermann Hesse-Ort Montagnola im Tessin, in einem nagelneuen Studio an einem Steinway-Flügel. Lara Persia, die auch Erfahrungen aus Aufnahmen fürs Jazzlabel ECM mitbringt, hat produziert.
„Es fühlt sich für mich ideal an, meine Songs allein zu schreiben, aber selbst entscheiden zu können, ob ich sie solo oder im Ensemble spiele“, erklärt Yumi Ito. „Vielleicht liegt das auch daran, dass ich durch das Jazzstudium meine Songs wie kleine Standards behandle – ich spiele sie immer wieder etwas anders, improvisiere, verändere Arrangements. Für mich ist Musik ein lebendiger Organismus.“
Das spannende Wechselspiel von Solo-Arbeit, Trio- und Quartett-Besetzungen bis hin zum Large Ensemble hat sich stets durch ihre noch junge Karriere gezogen. Und so waren auch – bis auf die quirlige Vokalise „Tiki Taka“ – alle Songs von Lonely Island bereits auf früheren Alben erschienen, in größerer Besetzung, teils opulentem Arrangement. Es ist äußerst reizvoll zu vergleichen, wie ihre Kompositionen sich formwandelnd entwickeln. Und genau dazu bekommt das Publikum Gelegenheit, wenn Yumi Ito in der Theaterbar ihre Songs nicht solo, sondern mit einem multinationalen Quartett interpretiert.
Christa Abels (Deutschland): Mit den Zugvögeln fort (Eigenverlag, christaabels.de)
Ambäck (Schweiz): Wolkenbödeler (Eigenverlag, ambaeck.ch)
Thiago Armud (Brasilien): Enseada Perdida (Rocinante)
Cantares Do Andarilho (Portugal/Mosambik/Angola/Azoren/Asturien): Wanderer Songs – Ao Vivo No Teatro Faialense (Mais 5)
Carminho (Portugal): Eu Vou Morrer De Amor Ou Resistir (Sony Portugal)
Maurício Einhorn & Idriss Boudrioua Orchestra (Brasilien): Maurício & Horns (In & Out Records)
Ganna (Ukraine/Deutschland): Utopia (Berthold Records)
Garden Of Silence (Schweden/Schweiz/Iran/Deutschland/Ägypten): Neither You Nor I (Bazaarpool)
Yumi Ito (Japan/Polen/Schweiz): Lonely Island (enja)
Marcos Jobim (Brasilien): Singelinha (Musik | Marcos Jobim)
Misagh Joolaee & Bakr Khleifi (Iran/Palästina/Deutschland): Hajr (GWK Records)
Kokoroko (UK): Tuff Times Never Last (Brownswood Recordings)
Dafné Kritharas (Griechenland/Frankreich): Prayer & Sin (Horizon Musiques)
Awa Ly (Frankreich/Senegal): Essence & Elements (Naïve)
Maxjoseph (Deutschland): Nau (MAXJOSEPH | Neue Volksmusik I Bayern)
Sílvia Pérez Cruz & Salvador Sobral (Katalonien/Portugal): Sílvia & Salvador (Warner Music)
Céline Rudolph / Henrique Gomide / João Nogueira (Deutschland/Brasilien): Amaré (Challenge Records)
Matthieu Saglio & Camille Saglio (Frankreich/Spanien): Al Alba (ACT)